„Omul Vitruvian” este un desen al savantului italian Leonardo da Vinci, pe care l-a realizat pentru cartea arhitectului roman Marcus Vitruvius Pollio, care a trăit în secolul I î.Hr., ale cărui lucrări sub forma tratatului „10 cărți de arhitectură”. ” a ocupat mințile oamenilor de știință din întreaga Europă de-a lungul multor secole.
Artist, om de știință, inginer - Leonardo da Vinci
Tabloul „Omul de Vitruvian” a fost pictat în 1492. Nu poate fi numărat printre picturile celebrului florentin, precum „Doamna cu hermină”, pictată în 1490, cu puțin timp înainte de crearea „Omul Vitruvian” sau „Cina cea de Taină”, care a fost publicată în 1498. Și cu atât mai mult, comparația este imposibilă cu geniala „La Gioconda”, creată în perioada 1505-1519.
Canoane
Desenul lui Leonardo da Vinci relevă în mod substanțial principiile fundamentale ale proporțiilor canonice ale unei persoane, care se corelează într-un anumit fel cu normele arhitecturale derivate de Vitruvius. Sunt șase în total:
- Ordinatio - ordine absolută sau sistematicitate. Vitruvius descrie principiile arhitecturale generale, formarea volumului, bazele relațiilor dimensionale și proporțiilor. În continuare, omul de știință dă faimoasa sa triadă: venustas - frumusețe, utilitas - beneficiu, firmitas - rezistență structurală.
- Dispositio - baza, plasament local. Urmează o descriere a principiilor organizării spațiului și a locației unui obiect în format tridimensional.
- Euritmia - determinarea celor mai estetice proporții, se precizează compoziția.
- Simetria - această categorie implică relația unui modul arhitectural cu părți ale corpului uman.
- Decor - decorativitate și colorat combinate cu rigoare ordonată în aranjarea elementelor.
- Distributio - o descriere a metodelor care determină partea economică a funcționării unității.
Geometrie
Pictura „Omul de Vitruvian” de Leonardo da Vinci a devenit o ilustrație pentru tratatul în mai multe volume al lui Vitruvius, combinând opera științifică și o operă de artă într-un singur întreg. Figura prezintă o persoană în două forme: o poziție - cu picioarele și brațele depărtate - înscrisă într-un cerc, a doua - cu brațele depărtate și picioarele reunite - înscrisă într-un pătrat. În plus, ambele figuri geometrice se corelează organic între ele, în ciuda faptului că se ating direct într-un punct inferior, iar în altul șase - doar indirect.
„Omul Vitruvian” este cel mai faimos tablou de Leonardo da Vinci după „La Gioconda”. Valoarea unui desen este determinată de criterii de inginerie. Poza unei persoane „picioarele împreună, brațele depărtate” se potrivește într-o figură geometrică numită „Pătratul anticilor”, iar o persoană cu picioarele și brațele depărtate se potrivește într-un cerc. În acest caz, este o regularitate ca centrul figurii în ambele cazuri să se încadreze într-un singur punct, care în viața de zi cu zi se numește „buricul”, adică locul în care cordonul ombilical pleacă la nașterea unei persoane.
Calcule
Așa arată „Omul Vitruvian”, a cărui semnificație nu poate fi supraestimată, din punctul de vedere al analizei matematice:
- Distanța de la vârful degetului mijlociu până la baza degetului mic este egală cu lungimea palmei.
- Lungimea piciorului este egală cu lățimea a patru palme.
- Șase palme sunt egale cu lungimea unui cot.
- Înălțimea unei persoane medii este de 4 coți sau 24 de mâini.
- Pasul este egal cu un cot și o palmă.
- Întinderea brațelor este egală cu înălțimea unei persoane.
- Distanța de la nivelul părului de pe cap până la marginea inferioară a bărbiei este de 1/10 din înălțime.
- Distanța de la linia de jos a bărbiei până la coroană este de 1/8 din înălțime.
- Distanța de la vârful capului până la mameloane este de 1/4 din înălțime.
- Latimea umerilor - 1/4 inaltime.
- Lungimea de la cot până la vârful degetelor este de 1/4 din înălțime.
- Distanța de la cot la axilă este de 1/8 din înălțime.
- Lungimea brațului - 2/5 înălțime.
- Distanța de la nas până la marginea inferioară a bărbiei este de o treime din lungimea feței.
- De la sprâncene până la linia părului - o treime din lungimea feței.
- Dimensiunea verticală a urechilor este de 1/3 din lungimea feței.
Simbolism
„Omul Vitruvian” al lui Leonardo da Vinci este adesea folosit ca simbol al simetriei corpului uman.
O examinare atentă a desenului relevă patru poziții clar definite ale corpului uman și două dominante ale compoziției. Primul este centrul figurii situat într-un cerc, acesta este „buricul” unei persoane, ca simbol al nașterii. Al doilea - centrul corpului, plasat într-un pătrat, cade pe organele genitale și servește ca simbol al procreării.
„Omul Vitruvian” este prezentat de Leonardo da Vinci ca personificarea Universului și este considerat precursorul Renașterii italiene. Mai târziu, arhitectul francez Corbusier a folosit cu succes teoria proporțiilor corpului uman pentru a-și crea propriul sistem Modulor, care este responsabil pentru confortul și ergonomia locuinței. În 1952, arhitectul a construit o clădire rezidențială cu mai multe etaje în Marsilia, urmând învățăturile lui Vitruvius și Modulor în aplicarea sa practică.
Giulgiul
Există, de asemenea, presupunerea că desenul „Omul Vitruvian” este o imagine a lui Hristos pe giulgiul sfânt, pe care Leonardo da Vinci l-a transferat pe hârtie în timpul restaurării relicvei. Această versiune are dreptul la viață, deoarece se știe cu siguranță că păzitorii giulgiului cu imaginea lui Hristos l-au predat savantului pentru restaurare.
Impresionat de proporțiile divine care apar pe altar, da Vinci și-a creat capodopera și astfel a plasat omul ca imagine a lui Dumnezeu în centrul Universului. Și astăzi „Omul de Vitruvian”, a cărui semnificație și existență depășește cu mult reprezentarea artistică, simbolizează omul în Univers și este un exemplu de proporții ideale pentru arhitectură.
În timpul Renașterii au existat mulți sculptori, artiști, muzicieni și inventatori străluciți. Leonardo da Vinci iese în evidență pe fundalul lor. A creat instrumente muzicale, a deținut multe invenții de inginerie, a pictat picturi, sculpturi și multe altele.
Caracteristicile sale exterioare sunt, de asemenea, uimitoare: înălțime înaltă, aspect angelic și forță extraordinară. Să facem cunoștință cu geniul Leonardo da Vinci, o scurtă biografie va spune despre principalele sale realizări.
Fapte biografice
S-a născut lângă Florența, în orășelul Vinci. Leonardo da Vinci era fiul nelegitim al unui notar faimos și bogat. Mama lui este o țărancă obișnuită. Întrucât tatăl nu a avut alți copii, la vârsta de 4 ani l-a luat pe micuțul Leonardo să locuiască cu el. Băiatul și-a demonstrat inteligența extraordinară și caracterul prietenos încă de la o vârstă fragedă și a devenit rapid un favorit în familie.
Pentru a înțelege cum s-a dezvoltat geniul lui Leonardo da Vinci, o scurtă biografie poate fi prezentată după cum urmează:
- La 14 ani a intrat în atelierul lui Verrocchio, unde a studiat desenul și sculptura.
- În 1480 s-a mutat la Milano, unde a fondat Academia de Arte.
- În 1499, a părăsit Milano și a început să se mute din oraș în oraș, unde a construit structuri defensive. În aceeași perioadă, a început celebra lui rivalitate cu Michelangelo.
- Din 1513 lucrează la Roma. Sub Francis I, el devine un înțelept de curte.
Leonardo a murit în 1519. După cum credea, nimic din ce a început nu a fost vreodată terminat.
Calea creativă
Opera lui Leonardo da Vinci, a cărui scurtă biografie a fost prezentată mai sus, poate fi împărțită în trei etape.
- Perioada timpurie. Multe lucrări ale marelui pictor au fost neterminate, cum ar fi „Adorația Magilor” pentru mănăstirea San Donato. În această perioadă au fost pictate picturile „Benois Madonna” și „Anunțare”. În ciuda vârstei sale fragede, pictorul a demonstrat deja o înaltă pricepere în picturile sale.
- Perioada matură de creativitate a lui Leonardo a avut loc la Milano, unde plănuia să facă o carieră ca inginer. Cea mai populară lucrare scrisă în acest moment a fost Cina cea de taină și, în același timp, a început să lucreze la Mona Lisa.
- În perioada târzie a creativității, a fost creat tabloul „Ioan Botezătorul” și o serie de desene „Potopul”.
Pictura a completat întotdeauna știința pentru Leonardo da Vinci, deoarece el a căutat să surprindă realitatea.
Invenții
O scurtă biografie nu poate transmite pe deplin contribuția lui Leonardo da Vinci la știință. Cu toate acestea, putem observa cele mai faimoase și valoroase descoperiri ale omului de știință.
- Și-a adus cea mai mare contribuție la mecanică, așa cum se poate vedea din numeroasele sale desene. Leonardo da Vinci a studiat căderea unui corp, centrele de greutate ale piramidelor și multe altele.
- A inventat o mașină din lemn, care era condusă de două arcuri. Mecanismul mașinii era echipat cu frână.
- A venit cu un costum spațial, aripioare și un submarin, precum și o modalitate de a se scufunda la adâncime fără a folosi un costum spațial cu un amestec special de gaze.
- Studiul zborului libelulelor a dus la crearea mai multor variante de aripi pentru oameni. Experimentele nu au avut succes. Cu toate acestea, apoi omul de știință a venit cu o parașută.
- A fost implicat în evoluțiile din industria militară. Una dintre propunerile lui a fost care cu tunuri. A venit cu un prototip de armadillo și tanc.
- Leonardo da Vinci a făcut multe dezvoltări în construcții. Podurile cu arc, mașinile de drenaj și macaralele sunt toate invențiile sale.
Nu există niciun om ca Leonardo da Vinci în istorie. De aceea mulți îl consideră un extraterestru din alte lumi.
Cinci secrete ale lui da Vinci
Astăzi, mulți oameni de știință sunt încă nedumeriți cu privire la moștenirea lăsată de marele om al erei trecute. Deși nu merită să-l numească pe Leonardo da Vinci așa, el a prezis multe și a prevăzut și mai mult, creând capodoperele sale unice și uimitoare prin amploarea cunoștințelor și gândirii sale. Vă oferim cinci secrete ale marelui Maestru care ajută la ridicarea vălului secretului asupra lucrărilor sale.
Criptare
Stăpânul a criptat mult pentru a nu prezenta idei deschis, ci pentru a aștepta puțin până când omenirea „s-a copt și a crescut” la ele. La fel de bun cu ambele mâini, da Vinci a scris cu mâna stângă, cu fontul cel mai mic, și chiar de la dreapta la stânga și adesea în oglindă. Ghicitori, metafore, puzzle-uri - asta se găsește pe fiecare rând, în fiecare lucrare. Nesemnând niciodată lucrările sale, Maestrul și-a lăsat urmele, vizibile doar unui cercetător atent. De exemplu, după multe secole, oamenii de știință au descoperit că, privind îndeaproape picturile sale, puteți găsi un simbol al unei păsări care decolează. Sau celebra „Madona Benois”, găsită printre actorii care călătoresc care au purtat tabloul ca o icoană de acasă.
Sfumato
Ideea de dispersie aparține și marelui mister. Priviți mai atent pânzele, toate obiectele nu dezvăluie margini clare, la fel ca în viață: curgerea lină a unei imagini în alta, neclaritate, dispersie - totul respiră, trăiește, trezirea fanteziilor și gândurilor. Apropo, Maestrul a sfătuit adesea să practici o astfel de viziune, uitându-se în pete de apă, depozite de noroi sau mormane de cenușă. Adesea își fumiga în mod deliberat zonele de lucru cu fum pentru a vedea în cluburi ce se ascunde dincolo de ochiul rezonabil.
Privește faimoasa pictură - zâmbetul „Mona Lisa” din diferite unghiuri, uneori tandru, alteori ușor arogant și chiar prădător. Cunoștințele dobândite prin studiul multor științe i-au oferit Maestrului posibilitatea de a inventa mecanisme perfecte care devin disponibile abia acum. De exemplu, acesta este efectul propagării undelor, puterea de pătrundere a luminii, mișcarea oscilativă... și multe lucruri mai trebuie analizate nici măcar de noi, ci de descendenții noștri.
Analogii
Analogiile sunt principalul lucru în toate lucrările Maestrului. Avantajul față de acuratețe, când o a treia decurge din două concluzii ale minții, este inevitabilitatea oricărei analogii. Iar Da Vinci încă nu are egal în capricialitatea lui și în tragerea de paralele absolut uluitoare. Într-un fel sau altul, toate lucrările sale au câteva idei care nu sunt în concordanță între ele: celebra ilustrație „raportul de aur” este una dintre ele. Cu membrele desfăcute și depărtate, o persoană se potrivește într-un cerc, cu brațele închise într-un pătrat și cu brațele ușor ridicate într-o cruce. Acest tip de „moară” i-a dat magicianului florentin ideea de a crea biserici, unde altarul era plasat exact în mijloc, iar închinătorii stăteau în cerc. Apropo, inginerilor le-a plăcut aceeași idee - așa s-a născut rulmentul cu bile.
Contrapposto
Definiția denotă opoziția contrariilor și crearea unui anumit tip de mișcare. Un exemplu este sculptura unui cal imens din Corte Vecchio. Acolo, picioarele animalului sunt poziționate exact în stilul contrapposto, formând o înțelegere vizuală a mișcării.
Incompletitudine
Acesta este probabil unul dintre „trucurile” preferate ale maestrului. Niciuna dintre lucrările lui nu este finită. A finaliza înseamnă a ucide, iar lui da Vinci i-a iubit fiecare creație. Încet și meticulos, păcăleșul din toate timpurile ar putea lua câteva mișcări de pensulă și să meargă în văile Lombardiei pentru a îmbunătăți peisajele de acolo, să treacă la crearea următorului dispozitiv capodopera sau altceva. Multe lucrări s-au dovedit a fi stricate de timp, foc sau apă, dar fiecare dintre creații, cel puțin însemnând ceva, a fost și este „neterminată”. Apropo, este interesant că, chiar și după pagubă, Leonardo da Vinci nu și-a corectat niciodată picturile. După ce și-a creat propria vopsea, artistul a lăsat chiar în mod deliberat o „fereastra incompletă”, crezând că viața însăși va face ajustările necesare.
Ce era arta înainte de Leonardo da Vinci? Născut printre bogați, a reflectat pe deplin interesele lor, viziunea lor asupra lumii, părerile lor despre om și despre lume. Operele de artă s-au bazat pe idei și teme religioase: afirmarea acelor viziuni despre lume pe care le preda biserica, reprezentarea scenelor din istoria sacră, insuflarea oamenilor a sentimentului de reverență, admirație pentru „divin” și conștiință proprie. insignifiante. Tema dominantă a determinat și forma. Desigur, imaginea „sfinților” era foarte departe de imaginile oamenilor adevărați vii, prin urmare, schemele, artificialitatea și staticitatea au dominat în artă. Oamenii din aceste tablouri erau un fel de caricatură a oamenilor vii, peisajul este fantastic, culorile sunt palide și inexpresive. Adevărat, chiar înainte de Leonardo, predecesorii săi, inclusiv profesoara lui Andrea Verrocchio, nu au mai fost mulțumiți de șablon și au încercat să creeze noi imagini. Au început deja căutarea unor noi metode de reprezentare, au început să studieze legile perspectivei și s-au gândit mult la problemele de a obține expresivitate în imagine.
Cu toate acestea, aceste căutări pentru ceva nou nu au dat rezultate mari, în primul rând pentru că acești artiști nu aveau o idee suficient de clară despre esența și sarcinile artei și cunoașterea legilor picturii. De aceea au căzut din nou în schematism, apoi în naturalism, care este la fel de periculos pentru arta autentică, copierea fenomenelor individuale ale realității. Semnificația revoluției făcute de Leonardo da Vinci în artă și în special în pictură este determinată în primul rând de faptul că el a fost primul care a stabilit clar, clar și definitiv esența și sarcinile artei. Arta ar trebui să fie profund realistă și realistă. Trebuie să provină dintr-un studiu profund și atent al realității și naturii. Trebuie să fie profund veridic, trebuie să înfățișeze realitatea așa cum este, fără nicio artificialitate sau falsitate. Realitatea, natura este frumoasă în sine și nu are nevoie de nicio înfrumusețare. Artistul trebuie să studieze cu atenție natura, dar nu pentru o imitare oarbă a ei, nu pentru a o copia pur și simplu, ci pentru a crea opere, după ce a înțeles legile naturii, legile realității; respectă cu strictețe aceste legi. Pentru a crea noi valori, valori ale lumii reale - acesta este scopul artei. Aceasta explică dorința lui Leonardo de a conecta arta și știința. În loc de o observație simplă, ocazională, a considerat că este necesar să studieze subiectul în mod sistematic și persistent. Se știe că Leonardo nu s-a despărțit niciodată de album și a scris desene și schițe în el.
Se spune că îi plăcea să se plimbe pe străzi, piețe, piețe, observând tot ce este interesant - ipostazele oamenilor, fețele, expresiile lor. A doua cerință a lui Leonardo pentru pictură este cerința pentru veridicitatea imaginii, vitalitatea acesteia. Artistul trebuie să lupte pentru reprezentarea cât mai exactă a realității în toată bogăția ei. În centrul lumii stă o persoană vie, gânditoare, simțitoare. El este cel care trebuie înfățișat în toată bogăția sentimentelor, experiențelor și acțiunilor sale. În acest scop, Leonardo a fost cel care a studiat anatomia și fiziologia umană în acest scop, după cum se spune, a adunat în atelierul său țăranii pe care îi cunoștea și, tratându-i, le-a spus povești amuzante pentru a vedea cum râd oamenii, cum la fel; evenimentul face ca oamenii să aibă impresii diferite. Dacă înainte de Leonardo nu exista un om adevărat în pictură, acum a devenit dominant în arta Renașterii. Sute de desene ale lui Leonardo oferă o galerie gigantică de tipuri de oameni, fețele lor și părți ale corpului lor. Omul în toată diversitatea sentimentelor și acțiunilor sale este sarcina reprezentării artistice. Și aceasta este puterea și farmecul picturii lui Leonardo. Forțat de condițiile vremii să picteze tablouri în principal pe subiecte religioase, deoarece clienții săi erau biserica, feudalii și bogații negustori, Leonardo subordonează cu putere aceste subiecte tradiționale geniului său și creează opere de însemnătate universală. Madonele pictate de Leonardo sunt, în primul rând, o imagine a unuia dintre sentimentele profund umane - sentimentul de maternitate, dragostea nemărginită a unei mame pentru copilul ei, admirația și admirația pentru el. Toate Madonele lui sunt femei tinere, înflorite, pline de viață, toți bebelușii din picturile sale sunt băieți sănătoși, plini de obraji, jucăuși, în care nu există nici măcar o gramă de „sfințenie”.
Apostolii lui din Cina cea de Taină sunt oameni vii de diferite vârste, statut social și caractere diferite; în aparență, sunt artizani, țărani și intelectuali milanezi. Luptă după adevăr, artistul trebuie să fie capabil să generalizeze ceea ce găsește individual și trebuie să creeze tipicul. Prin urmare, chiar și atunci când pictează portrete ale unor oameni cunoscuți din punct de vedere istoric, precum Mona Lisa Gioconda, soția unui aristocrat falimentar, negustorul florentin Francesco del Gioconda, Leonardo le oferă, alături de trăsăturile individuale ale portretului, o trăsătură tipică comună multor oameni. De aceea, portretele pe care le-a pictat au supraviețuit oamenilor înfățișați în ele timp de multe secole. Leonardo a fost primul care nu numai că a studiat cu atenție și atent legile picturii, dar le-a și formulat. El a studiat profund, ca nimeni înaintea lui, legile perspectivei, așezarea luminii și a umbrei. Avea nevoie de toate acestea pentru a obține cea mai înaltă expresivitate a imaginii, pentru a, așa cum spunea el, „deveni egal cu natura”. Pentru prima dată, în lucrările lui Leonardo, pictura ca atare și-a pierdut caracterul static și a devenit o fereastră către lume. Când te uiți la tabloul lui, sentimentul a ceea ce a fost pictat, închis într-un cadru, se pierde și pare că te uiți printr-o fereastră deschisă, dezvăluind privitorului ceva nou, ceva pe care nu l-a văzut niciodată. Cerând expresivitatea picturii, Leonardo s-a opus cu hotărâre jocului formal al culorilor, față de entuziasmul pentru formă în detrimentul conținutului, față de ceea ce caracterizează atât de clar arta decadentă.
Forma pentru Leonardo este doar învelișul ideii pe care artistul trebuie să o transmită privitorului. Leonardo acordă multă atenție problemelor compoziției imaginii, problemelor de plasare a figurilor și detaliilor individuale. De aici compoziția sa preferată de așezare a figurilor într-un triunghi - cea mai simplă figură armonică geometrică - o compoziție care permite privitorului să îmbrățișeze întreaga imagine ca un întreg. Expresivitatea, veridicitatea, accesibilitatea - acestea sunt legile artei reale, cu adevărat populare, formulate de Leonardo da Vinci, legi pe care el însuși le-a întruchipat în strălucitele sale lucrări. Deja în prima sa pictură majoră, „Madona cu floare”, Leonardo a arătat în practică ce înseamnă principiile artei pe care le mărturisea. Ceea ce este izbitor la acest tablou este, în primul rând, compoziția sa, distribuția surprinzător de armonioasă a tuturor elementelor tabloului care alcătuiesc un singur întreg. Imaginea unei tinere mame cu un copil vesel în brațe este profund realistă. Albastrul adânc simțit direct al cerului italian prin fanta ferestrei este transmis incredibil de abil. Deja în această imagine, Leonardo a demonstrat principiul artei sale - realismul, reprezentarea unei persoane în cea mai profundă concordanță cu adevărata sa natură, reprezentarea unei scheme nu abstracte, ceea ce a învățat și a făcut arta ascetică medievală, și anume o viață. , persoană care se simte.
Aceste principii sunt și mai clar exprimate în cea de-a doua pictură majoră a lui Leonardo, „Adorarea magilor” din 1481, în care ceea ce este semnificativ nu este complotul religios, ci reprezentarea magistrală a oamenilor, fiecare având chipul său individual. , propria sa poză, își exprimă propriul sentiment și starea de spirit. Adevărul vieții este legea picturii lui Leonardo. Scopul acesteia este dezvăluirea cât mai completă posibilă a vieții interioare a unei persoane. În „Cina cea de taină” compoziția este adusă la perfecțiune: în ciuda numărului mare de figuri - 13, amplasarea lor este strict calculată, astfel încât toate în ansamblu să reprezinte un fel de unitate, plină de mare conținut intern. Tabloul este foarte dinamic: niște vești groaznice comunicate de Isus i-au lovit pe ucenicii săi, fiecare dintre ei reacționând la ea în felul său, de unde uriașa varietate de expresii a sentimentelor interioare de pe chipurile apostolilor. Perfecțiunea compozițională este completată de o utilizare neobișnuit de magistrală a culorilor, armonia luminii și a umbrelor. Expresivitatea imaginii își atinge perfecțiunea datorită varietății extraordinare nu numai a expresiilor faciale, ci și a poziției fiecăreia dintre cele douăzeci și șase de mâini desenate în imagine.
Această înregistrare a lui Leonardo însuși ne vorbește despre munca preliminară atentă pe care a efectuat-o înainte de a picta tabloul. Totul în ea este gândit până la cel mai mic detaliu: ipostaze, expresii faciale; chiar și detalii precum un bol sau un cuțit răsturnat; Toate acestea, în suma sa, constituie un singur întreg. Bogăția culorilor din acest tablou este combinată cu o utilizare subtilă a clarobscurului, care subliniază semnificația evenimentului descris în pictură. Subtilitatea perspectivei, transmiterea aerului și a culorii fac din acest tablou o capodopera a artei mondiale. Leonardo a rezolvat cu succes multe probleme cu care se confruntau artiștii la acea vreme și a deschis calea pentru dezvoltarea ulterioară a artei. Prin puterea geniului său, Leonardo a depășit tradițiile medievale care au cântărit foarte mult pe artă, le-a rupt și le-a aruncat; a reușit să depășească granițele înguste care limitau puterea creatoare a artistului de către clica conducătoare a bisericii de atunci și să arate, în loc de scena șablonului gospel, o dramă uriașă, pur umană, să arate oameni vii cu pasiunile și sentimentele lor. , experiente. Și în această imagine s-a manifestat din nou marele optimism care afirmă viața artistului și gânditorului Leonardo.
De-a lungul anilor de rătăcire, Leonardo a pictat mult mai multe tablouri care au primit faima și recunoașterea mondială binemeritată. În „La Gioconda” este dată o imagine profund vitală și tipică. Această vitalitate profundă, redarea neobișnuită de relief a trăsăturilor faciale, detaliilor individuale și costumului, combinate cu un peisaj pictat cu măiestrie, conferă acestei imagini o expresivitate deosebită. Totul despre ea – de la misteriosul jumătate de zâmbet care se joacă pe chipul ei până la mâinile ei liniştite încrucişate – vorbeşte despre marele conţinut interior, despre marea viaţă spirituală a acestei femei. Dorința lui Leonardo de a transmite lumea interioară în manifestările exterioare ale mișcărilor mentale este exprimată în mod deosebit aici. Un tablou interesant al lui Leonardo este „Bătălia de la Anghiari”, înfățișând bătălia de cavalerie și infanterie. Ca și în celelalte picturi ale sale, Leonardo a căutat aici să arate o varietate de chipuri, figuri și ipostaze. Zeci de oameni înfățișați de artist creează o impresie completă a imaginii tocmai pentru că sunt subordonați cu toții unei singure idei care stă la baza acesteia. A fost dorința de a arăta creșterea forței omului în luptă, tensiunea tuturor sentimentelor sale, reunite pentru a obține victoria.
Omul Vitruvian este numele dat imaginii grafice a unui bărbat gol în celebra schiță a lui Leonardo da Vinci. A fost studiat de secole. Cu toate acestea, oamenii de știință sunt încrezători că nu toate secretele desenului au fost dezvăluite.
Leonardo da Vinci: Omul Vitruvian (Gallery Accademia, Veneția, Italia)
Fiind una dintre cele mai misterioase și controversate figuri ale erei sale, Leonardo da Vinci a lăsat în urmă multe secrete. Sensul lor încă îngrijorează mințile științifice din întreaga lume. Unul dintre aceste mistere este Omul Vitruvian, a cărui schiță în creion a fost păstrată cu grijă de secole. Și deși se știu multe despre el, experții în artă sunt siguri că mari descoperiri sunt încă în față.
Omul Vitruvian este titlul oficial al schiței lui Leonardo. A fost realizat de el în 1492 și a fost destinat să ilustreze o carte scrisă de mână. Desenul reprezintă un bărbat gol al cărui corp este înscris într-un cerc și un pătrat. În plus, imaginea are dualitate - trunchiul uman este reprezentat în două ipostaze suprapuse unul altuia.
După cum puteți vedea când examinați desenul, combinația de poziții ale mâinii și piciorului produce de fapt două poziții diferite. Poza cu brațele întinse în lateral și picioarele reunite se dovedește a fi înscrisă într-un pătrat. Pe de altă parte, o ipostază cu brațele și picioarele întinse în lateral este înscrisă într-un cerc. La o examinare mai atentă, se dovedește că centrul cercului este buricul figurii, iar centrul pătratului este organele genitale.
Jurnalul lui Da Vinci, pentru care a fost destinat desenul, se numește „Canonul proporțiilor”. Cert este că artistul a crezut într-un anumit număr „phi”, numindu-l divin. Era încrezător în prezența acestui număr în tot ceea ce este creat în natura vie. Cu toate acestea, da Vinci a încercat să atingă „proporția divină” pe care a obținut-o în arhitectură. Dar aceasta a rămas una dintre ideile nerealizate ale lui Leonardo. Dar Omul Vitruvian este complet înfățișat în conformitate cu „phi”, adică imaginea arată un model al unei ființe ideale.
Conform notelor însoțitoare ale lui Leonardo, a fost creat pentru a determina proporțiile corpului uman (masculin), așa cum este descris în tratatele arhitectului roman antic Vitruvius; căruia Leonardo i-a scris următoarele explicații:
- lungimea de la vârful celei mai lungi până la cea mai joasă bază a celor patru degete este egală cu palma
- piciorul are patru palme
- un cot este șase palme
- înălțimea unei persoane este de patru coți de la vârful degetelor (și în consecință 24 de palme)
- un pas este egal cu patru palme
- anvergura bratelor umane este egala cu inaltimea lui
- distanța de la linia părului până la bărbie este de 1/10 din înălțimea acestuia
- distanța de la vârful capului până la bărbie este de 1/8 din înălțimea acestuia
- distanța de la vârful capului până la mameloane este de 1/4 din înălțimea acestuia
- lățimea maximă a umerilor este de 1/4 din înălțimea acestuia
- distanța de la cot până la vârful mâinii este de 1/4 din înălțimea acestuia
- distanta de la cot la axila este de 1/8 din inaltimea acestuia
- lungimea brațului este de 2/5 din înălțimea sa
- distanța de la bărbie la nas este de 1/3 din lungimea feței sale
- distanța de la linia părului până la sprâncene este de 1/3 din lungimea feței sale
- Lungimea urechii 1/3 lungime a feței
- buricul este centrul cercului
Redescoperirea proporțiilor matematice ale corpului uman în secolul al XV-lea de către da Vinci și alți oameni de știință a fost unul dintre marile progrese care au precedat Renașterea italiană.
Ulterior, folosind aceeași metodă, Corbusier și-a creat propria scară de proporție - Modulor, care a influențat estetica arhitecturii secolului XX.
Desenul a apărut ca rezultat al studiului maestrului italian asupra lucrărilor lui Vitruvius, arhitectul remarcabil al Romei Antice. În tratatele sale, corpul uman a fost identificat cu arhitectura. Cu toate acestea, negând această idee, da Vinci a dezvoltat ideea de a combina trei elemente în om - arta, știința și divinul, adică o reflectare a Universului.
Pe lângă mesajul filozofic profund, Omul de Vitruvian are și o anumită semnificație simbolică. Pătratul este interpretat ca sfera materială, cercul - spiritualul. Contactul figurilor cu corpul persoanei reprezentate este un fel de intersecție în centrul universului.
Schița este păstrată în prezent la Muzeul de la Veneția. Nu există acces gratuit la relicvă - exponatul este expus extrem de rar. Cei care doresc au posibilitatea de a-l privi o dată la șase luni, deoarece mutarea și a fi în lumină directă sunt distructive pentru manuscrisul, care are aproape 500 de ani. Cele mai multe dintre structurile realizate conform schițelor lui da Vinci au supraviețuit până în zilele noastre. Oricine poate vedea proiecte antice și implementarea lor modernă la Milano, la Muzeul de Știință Leonardo da Vinci, situat în apropiere de stația de metrou Sant'Ambrogio.
Fapte interesante:
- Desenul în sine este adesea folosit ca simbol implicit al simetriei interne a corpului uman și, mai departe, al Universului în ansamblu.
- În 2011, artistul aerian irlandez John Quigley a pictat o copie uriașă a faimosului „Om Vitruvian” desen pe gheața Oceanului Arctic pentru a atrage atenția umanității asupra problemelor echilibrului mediului.
- În 2012, au fost publicate rapoarte că prima imagine vizuală a „Omul Vitruvian” nu a fost desenată de Leonardo, ci de prietenul său Giacomo Andrea da Ferrara, care a studiat în detaliu lucrările lui Vitruvius - deși desenul său este disproporționat inferior celui al lui Leonardo în din punct de vedere al meritului artistic.
Leonardo a câștigat faima mondială datorită intelectului său complet dezvoltat. Acest om unic a făcut mai multe descoperiri în domeniul medicinei, științei și ingineriei care au schimbat lumea.
Și deși geniul însuși se considera un om de știință, iar pictura era doar un hobby, descendenții săi și-au pus contribuția la artă la același nivel cu alte merite, deoarece picturile artistului sunt cu adevărat capodopere. Cu toate acestea, vedeți singuri fotografiile picturilor originale postate pe această pagină de bună calitate, cu o mărire a zonelor semnificative și cu o descriere a fiecărei capodopere a artistului.
Titlul pânzei, scris în 1503-1505, este tradus ca „Portretul doamnei Lisa Gioconda”.
Identitatea femeii înfățișate rămâne un mister până în zilele noastre, deși, conform celei mai plauzibile versiuni, ea este soția unui negustor de mătase cu care da Vinci era prieten la Florența.
Mona Lisa este o fată în halate întunecate, pe jumătate întoarsă spre privitor. Fiecare detaliu al imaginii este descris în detaliu incredibil, iar zâmbetul ușor care i-a atins buzele surprinde plăcut. Portretul este considerat unul dintre cele mai bune din genul său și transmite cele mai sublime gânduri ale Renașterii italiene. În prezent, împodobește Luvru din Paris.
Pictura lui Da Vinci intitulată „Isleworth Mona Lisa”
Portretul este în continuare aceeași doamnă Lisa, dar cu un fundal diferit, prezența coloanelor și desenul mai puțin atent al detaliilor. Există dispute cu privire la momentul scrierii sale.
Unii istorici susțin că aceasta este o versiune ulterioară a La Gioconda, în timp ce alții sunt siguri că aceasta este prima sa versiune.
Tabloul a fost vândut colecționarului Blaker, care l-a plasat în propriul studio, situat în Isleworth - vestul Londrei. Această zonă a dat „numele” portretului legendar.
Opera de artă - „Madonna Litta”
Soții Litta sunt o familie milaneză care a păstrat Madona împreună cu alte picturi din colecția lor de-a lungul secolului al XIX-lea. Astăzi pictura aparține Muzeului Ermitaj de Stat. A fost pictat în 1490-1491 și înfățișează o femeie care hrănește un copil.
Privirea fetei, gânditoare și plină de tandrețe, este fixată asupra copilului. Bebelușul se uită la privitor, ținând cu o mână pieptul mamei și ținând în cealaltă ciredidul.
„Madonna Benoit”
Pictura a fost pictată în 1478-1480 și nu a fost finalizată. Astăzi aparține Schitul Imperial.
Da Vinci i-a așezat pe Madona și pe Pruncul Isus într-o cameră slab luminată, luminată de lumina de la o fereastră deschisă.
Există un joc special de lumini și forme în lucrare. Fata zâmbește sincer, iar puștiul bine hrănit și serios privește floarea cruciferă cu entuziasm.
„Madona din stânci”
Sub acest titlu sunt două tablouri aproape identice. Luvru expune o versiune pictată în jurul anilor 1483-1486, iar Galeria Națională din Londra afișează o versiune puțin mai târziu.
Pânza îi înfățișează pe Fecioara Maria, Ioan Botezătorul, un înger și pruncul Isus. Per total, are o atmosferă pașnică, impregnată de tandrețe. Stâncile abrupte care formează fundalul peisajului creează un contrast exclusiv.
„Madona și Pruncul și Sfânta Ana”
Acest tablou este adesea confundat cu pictura lui Da Vinci „Sf. Ana cu Fecioara și Pruncul Hristos”. „Madona și Pruncul cu Sfânta Ana” este de artistul german Albrecht Durer. A fost scrisă în 1519 și nu are nimic de-a face cu celebrul geniu mondial.
„Madona Garoafei”
Pictura nu a fost cunoscută până în 1889, când a ajuns în muzeul Alte Pinakothek.
Înfățișează o Madonă liniștită, cu pruncul Isus în brațe, privind copilul cu o tandrețe nedisimulata. Copilul este activ, de parcă s-ar juca, întinde mâinile spre fluturele invizibil.
„Sfânta Ana cu Fecioara și Pruncul Hristos” tablou neterminat
Această capodopera neterminată se află astăzi la Luvru din Paris. Pentru a-l crea, da Vinci a folosit un complot binecunoscut în Italia, în care Madona se află în poala mamei ei Anna, ținând în brațe propriul ei fiu Iisus.
Efectul se numește mise en abyme. Data estimată a scrierii este 1508-1510.
"Doamna cu hermină"
Pictura, creată în 1489-1490, este depozitată în Polonia. Se crede că portretul o înfățișează pe Cecilia Gallerani, amanta lui Ludovico Sforza, duce de Milano.
Fata este descrisă în detaliu și realist. Prezența herminei are multe versiuni. Conform celei mai comune teorii, acest animal simbolizează puritatea și castitatea. Este plasat în imagine pentru a transmite aceste trăsături ale Ceciliei, pentru a sublinia relația ei extraconjugală cu Ducele, care nu pătează reputația frumuseții, ci este o manifestare a iubirii sincere.
„Ginevra de Benci” - o reprezentare artistică a poetei
A fost o poetă celebră și iubitoare platonică a lui Bernardo Bembo, care, potrivit istoricilor, este persoana care a comandat portretul.
Da Vinci a lucrat la el între 1474 și 1476.
Fata de pe pânză nu zâmbește, este grijulie și calmă, îmbrăcată într-o rochie simplă, fără volan. Este decorată doar cu o eșarfă și o mică perlă pe gât. Pictura este în prezent văzută la Galeria Națională de Artă din Washington.
„Ginevra de Benci” (verso)
Pe spatele portretului Ginevrei de Benci, o emblemă este pictată de Leonardo da Vinci: o ramură verticală de ienupăr, încadrată de o coroană de laur și ramuri de palmier, care sunt împletite cu o panglică cu fraza latină: „Virtutem forma decora”.
Tradus, zicala nu sună mai puțin luxoasă: „Frumusețea este podoaba virtuții”.
Ramura de palmier și dafinul reprezintă virtutea, iar ienupărul reprezintă componenta poetică. Fundalul imită o lespede de porfir, simbolizând perfecțiunea rară și neschimbată.
„Leda și lebăda” - o copie a picturii artistului
Acest tablou este acum pierdut, dar s-au păstrat copii ale ei pictate de alți artiști, schițe preliminare ale lui da Vinci și mențiuni în documente istorice. Timpul estimat al scrierii este 1508.
Pânza o înfățișa pe Leda stând la toată înălțimea și îmbrățișând gâtul unei lebede. Fata se uită la copiii care se jucau în iarbă. Judecând după scoicile aflate în apropiere, bebelușii s-au născut din ouă mari.
"Isabella d'Este"
Isabella d'Este este numită „diva Renașterii”.
Era o mare cunoscătoare a artei și una dintre cele mai faimoase fete din Italia. Isabella era prietenă cu da Vinci și a cerut în mod repetat să-și creeze portretul, dar geniul l-a preluat o singură dată.
Din păcate, după ce a creat o schiță în creion, pe care artistul a finalizat-o în 1499, și-a abandonat creația.
„Botezul lui Hristos” - tablou de da Vinci și Andrei Verrocchio
Acest tablou a fost pictat de da Vinci în colaborare cu profesorul său Andrea Verrocchio în 1475.
A fost comandată de mănăstirea benedictină vallombrosiană San Salvia, care a păstrat pictura până în 1530, după care a transferat-o la Galeria Florentină Uffizi.
Un fragment din pictura „Botezul lui Hristos” - o lucrare personală a lui Leonardo
Cunoscătorii operei lui da Vinci se pot bucura de un fragment din „Botezul lui Hristos” realizat personal de Leonardo.
O parte a picturii înfățișează elemente individuale ale unui peisaj și doi îngeri - cel din stânga este opera unui geniu. Potrivit legendei, Verrocchio a fost atât de impresionat de priceperea studentului, încât a abandonat arta, considerându-se nedemn de ea.
„Adorarea magilor”
Pictura a fost începută din ordinul călugărilor augustinieni de la mănăstirea San Donato în 1481, dar nu a fost finalizată din cauza faptului că artistul a fost nevoit să plece la Milano. Astăzi lucrarea este păstrată în Galeria Uffizi.
Pe fundal se pot vedea ruinele unui palat sau, probabil, un templu păgân, călăreți pe cai și stânci. În centrul pânzei se află Maria cu Iisus nou-născut. Era înconjurată de pelerini care doreau să se închine Fiului lui Dumnezeu.
Istoricii cred că da Vinci l-a pictat pe tipul din extrema dreaptă din propria viață.
„Ioan Botezătorul”
Pictura în stil clasic, care se distinge de altele prin absența unui peisaj și a unui fundal gol, a fost creată în 1514-1516. Astăzi poate fi văzut la Luvru din Paris.
Figura lui Ioan Botezătorul este echipată cu simboluri tradiționale:
- cruce subțire de trestie;
- haine de lână;
- par lung.
Degetul ridicat al mâinii drepte este, de asemenea, un gest tradițional care apare adesea în picturile lui Da Vinci. Poate că în acest fel artistul a vrut să transmită ceva important. Imaginea lui John este blândă, are un zâmbet blând și o privire uimitoare, parcă ar pătrunde în sufletul privitorului.
„Sfântul Ieronim” - un tablou neterminat al autorului
Pictura a fost comandată de autoritățile bisericești din Florența în 1481, dar da Vinci a trebuit să plece la Milano, așa că nu a fost finalizată. Starea în care a supraviețuit până în zilele noastre este critică - a fost asamblată aproape bucată cu bucată, așa că este păstrată în Pinacoteca Vaticanului sub supraveghere atentă și atentă.
Schița îl prezintă pe Sfântul Ieronim, a cărui ipostază indică faptul că bărbatul se pocăiește. Un leu, eternul tovarăș al lui Jerome, se odihnește în apropiere.
Tablou intitulat - „Cina cea de taină”
Pictura a fost comandată de ducele Lodovico Sforza și de soția sa Beatrice d'Este în 1495. Pictura, care înfățișează scena ultimei mese a lui Hristos cu ucenicii săi, a fost finalizată în 1498. Stema familiei Sforza poate fi văzută pe lunetele formate de tavanul cu trei arcade. Astazi lucrarea se pastreaza in manastirea din Milano.
„Anunțare” - o lucrare angelică a artistului
Leonardo da Vinci a pictat acest tablou în 1475. Intriga a fost aleasă din partea Evangheliei care spune despre anunțul nașterii viitoare a Mântuitorului.
Arhanghelul înaripat Gabriel este în genunchi, ținând în mâna stângă un crin alb, personificând puritatea. Cu mâna dreaptă o binecuvântează pe Maria. Lângă fată se află un suport de marmură, decorat cu relief, pe care se află Biblia. Lucrarea este expusă la Muzeul Uffizi.
„Anunț – peisaj”
Peisajul Bunei Vestiri, situat pe fundalul imaginii, merită o atenție deosebită. Leonardo da Vinci a așezat pe el un râu care se retrage în depărtare cu catarge vizibile de corăbii, siluete sculptate de copaci, ziduri și turnuri ale unui oraș-port, care este învăluit în ceața palidă a unui vârf de munte.
"Muzician"
Acest portret a fost rescris de marele artist italian aproape de nerecunoscut în 1490-1492. Apoi și-a lăsat lucrarea neterminată. Astăzi pictura este păstrată în Pinacoteca Ambrosiana, Milano.
În secolul al XIX-lea, s-a acceptat în general că pictura îl înfățișa pe ducele Lodovico Sforzo. Dar în XX, în timpul lucrărilor de restaurare, a fost posibil să distingem cuvintele de pe hârtie ținută în mâinile tipului descris. S-au dovedit a fi literele inițiale ale cuvintelor Cantum Angelicum, care în traducere sună ca „cântec îngeresc”. Notele sunt desenate în apropiere. Datorită acestei descoperiri, au început să privească opera diferit, dându-i un nume adecvat.
Ultimul tablou al lui Leonardo da Vinci este expus la Luvru
În fața ta, în fotografie, se află cea mai recentă creație a lui Leonardo - „Sfânta Ana și Maria cu Pruncul”. Pictorul a lucrat la acest tablou timp de 20 de ani. În prezent este expusă la Luvru.
Continuarea expoziției. . .
Leonardo da Vinci și omul său de Vitruvian
Omul Vitruvian este un desen realizat de Leonardo Da Vinci în jurul anilor 1490-1492, ca ilustrație pentru o carte dedicată operelor lui Vitruvius. Desenul este însoțit de note explicative într-unul din jurnalele sale. Înfățișează figura unui bărbat gol în două poziții suprapuse: cu brațele întinse în lateral, descriind un cerc și un pătrat. Desenul și textul sunt uneori numite proporții canonice.
1. Leonardo nu a intenționat niciodată să-și etaleze Omul Vitruvian.
Autoportret. După 1512
Hârtie, sangvin. 33,3 × 21,6 cm
Biblioteca Regală, Torino. Wikimedia Commons
Schița a fost descoperită într-unul din caietele personale ale maestrului renascentist. De fapt, Leonardo a desenat schița pentru propriile sale cercetări și nici măcar nu a bănuit că va fi într-o zi admirat. Cu toate acestea, astăzi „Omul Vitruvian” este una dintre cele mai cunoscute lucrări ale artistului, alături de „Cina cea de Taină” și „Mona Lisa”.
Desenul și explicațiile sale sunt uneori numite „proporții canonice”. Desenul a fost realizat cu stilou, cerneală și acuarelă folosind un creion metalic; dimensiunile desenului sunt de 24,5 × 34,3 centimetri. În prezent se află în colecția Galeriei Accademia din Veneția. Desenul este atât o operă de știință, cât și o operă de artă și, de asemenea, exemplifică interesul lui Leonardo în proporție.
Conform notelor însoțitoare ale lui Leonardo, a fost creat pentru a determina proporțiile corpului uman (masculin), așa cum este descris în tratatul arhitectului antic Vitruvius despre arhitectură (Cartea a III-a, capitolul I):
* lungimea de la vârful celei mai lungi până la cea mai joasă bază a celor patru degete este egală cu lungimea palmei;
* piciorul are patru palme;
* un cot este șase palme;
* înălțimea unei persoane este de patru coți de la vârful degetelor (și în consecință 24 de palme);
* un pas este egal cu patru palme;
* anvergura bratelor umane este egala cu inaltimea lui;
* distanta de la linia parului pana la barbie este de 1/10 din inaltimea acestuia;
* distanta de la varful capului pana la barbie este de 1/8 din inaltimea acestuia;
* distanta de la varful capului pana la mameloane este de 1/4 din inaltimea acestuia;
* latimea maxima a umerilor este de 1/4 din inaltimea acestuia;
* distanta de la cot pana la varful mainii este de 1/4 din inaltimea acestuia;
* distanta de la cot la axila este de 1/8 din inaltimea acestuia;
* lungimea brațului este de 2/5 din înălțimea acestuia;
* distanta de la barbie pana la nas este de 1/3 din lungimea fetei sale;
* distanta de la linia parului pana la sprancene este de 1/3 din lungimea fetei sale;
* lungimea urechii 1/3 din lungimea fetei;
* Buricul este centrul cercului.
2. Combinând arta și știința
Leonardo da Vinci. Omul Vitruvian. 1490
Homo vitruviano
34,3 × 24,5 cm
Galeria Academiei, Veneția. Wikimedia Commons
Un adevărat reprezentant al Renașterii, Leonardo nu a fost doar un pictor, sculptor și scriitor, ci și un inventator, arhitect, inginer, matematician și expert în anatomie. Acest desen cu cerneală a fost rezultatul studiului lui Leonardo asupra teoriilor despre proporțiile umane descrise de vechiul arhitect roman Vitruvius.
3. Leonardo nu a fost primul care a încercat să ilustreze teoriile lui Vitruvius.
Savanții moderni cred că în secolul al XV-lea și deceniile următoare au existat mulți oameni care au încercat să exprime această idee în formă vizuală.
4. Poate că desenul nu a fost făcut doar de Leonardo însuși
În 2012, istoricul de arhitectură italian Claudio Sgarbi a publicat descoperiri conform cărora cercetarea lui Leonardo asupra proporțiilor corpului uman a fost determinată de cercetări similare făcute de prietenul și colegul său arhitect Giacomo Andrea de Ferrara. Încă nu este clar dacă au lucrat împreună. Chiar dacă această teorie este incorectă, istoricii sunt de acord că Leonardo a îmbunătățit deficiențele operei lui Giacomo.
5. Cercul și pătratul au propriul lor sens ascuns
În studiile lor matematice, Vitruvius și Leonardo au descris nu numai proporțiile omului, ci și proporțiile întregii creații. Într-un caiet din 1492, a fost găsită nota lui Leonardo: "Omul antic era lumea în miniatură. Deoarece omul este format din pământ, apă, aer și foc, corpul lui seamănă cu un microcosmos al Universului".
6. „Omul Vitruvian” este doar una dintre multele schițe
Pentru a-și îmbunătăți arta și a înțelege mai bine cum funcționa lumea din jurul lui, Leonardo a pictat mulți oameni pentru a-și forma o idee de proporții ideale.
7. Omul Vitruvian este omul ideal
Cine a servit drept model va rămâne un mister, dar istoricii de artă cred că Leonardo și-a luat unele libertăți în desenul său. Această lucrare nu a fost atât un portret, cât o reprezentare fidelă a formei masculine ideale din punct de vedere matematic.
8. Ar putea fi un autoportret
Deoarece nu există descrieri ale modelului din care a fost desenată această schiță, unii istorici de artă cred că Leonardo a desenat „Omul Vitruvian” din el însuși.
9. Omul Vitruvian a avut o hernie
Chirurgul de la Imperial College London Hutan Ashrafyan, la 521 de ani de la crearea celebrului desen, a stabilit că bărbatul înfățișat în schiță avea o hernie inghinală, care ar putea duce la moartea sa.
10. Pentru a înțelege semnificația completă a desenului, trebuie să citiți notele la acesta
Când schița a fost descoperită inițial în caietul lui Lernardo, alături de ea erau însemnările artistului despre proporțiile umane, care scria: „Arhitectul Vitruvius afirmă în lucrarea sa despre arhitectură că dimensiunile corpului uman sunt distribuite după următorul principiu: lățimea a 4 degete este egală cu 1 palmă, piciorul este de 4 palme, un cot este de 6 palme, înălțimea completă a unei persoane este de 4 coți sau 24 de palme... Vitruvius a folosit aceleași măsurători în construcția clădirilor sale."
11. Corpul este desenat cu linii de măsurare 
Dacă te uiți cu atenție la pieptul, brațele și fața persoanei din desen, vei observa linii drepte care marchează proporțiile despre care a scris Leonardo în însemnările sale. De exemplu, partea feței de la partea de jos a nasului până la sprâncene reprezintă o treime din față, la fel ca și partea feței de la baza nasului până la bărbie și de la sprâncene până la linia unde parul incepe sa creasca.
12. Schița are alte denumiri, mai puțin ezoterice 
Schița mai este numită și „Canonul proporțiilor” sau „Proporțiile unui om”.
13. Omul Vitruvian pune 16 ipostaze deodată
La prima vedere, puteți vedea doar două ipostaze: o persoană în picioare, cu picioarele împreună și brațele întinse, și o persoană în picioare, cu picioarele depărtate și cu brațele ridicate. Dar o parte a geniului reprezentării lui Leonardo este că există 16 ipostaze reprezentate simultan într-un singur desen.
14. Creația lui Leonardo da Vinci a fost folosită pentru a descrie problemele moderne
Artistul irlandez John Quigley a folosit imaginea emblematică pentru a ilustra problema încălzirii globale. Pentru a face acest lucru, el a descris o copie mărită de multe ori a Omului Vitruvian pe gheața din Oceanul Arctic.
15. Schița originală apare rar în public
Copiile pot fi găsite literalmente peste tot, dar originalul este prea fragil pentru a fi afișat în public. Omul Vitruvian este de obicei ținut sub cheie în Galleria dell'Accademia din Veneția.
