„Artişti aspiranţi!
Astăzi vreau să vorbesc puțin despre bazele teoriei culorilorși cum să amesteci culorile primare pentru o paletă bogată.
Fundamentele teoriei culorii
Poate vă amintiți din fizica școlii că mai întâi Isaac Newton și apoi Thomas Jung au derivat un principiu care este încă recunoscut de toți artiștii ca un fapt incontestabil: lumina este culoare. Newton a ajuns la această concluzie într-o cameră închisă, întunecată, când a deschis fereastra și a lăsat să intre o mică dâră de lumină. Apoi, plasând o prismă triunghiulară de sticlă de-a lungul traseului fasciculului de lumină, a văzut că sticla a spart banda albă de lumină în șase culori ale spectrului, care au devenit vizibile când au căzut pe peretele alăturat.
Câțiva ani mai târziu, Jung, un fizician englez, a efectuat același experiment în sens invers. Prin cercetările sale, el a stabilit că cele șase culori ale spectrului pot fi reduse la trei culori primare: verde, roșu și albastru. Apoi a luat trei lămpi și a proiectat fascicule de lumină prin filtrele acestor trei culori, concentrându-le pe un singur punct; fascicule verzi, roșii și albastre combinate într-un singur fascicul alb. Cu alte cuvinte, Jung a recreat lumina.
Astfel, lumina din jurul nostru este formată din lumină de șase culori diferite; când cad pe un obiect, atunci acest obiect absoarbe unele dintre aceste culori și reflectă altele.
Să evidențiem această teză: toate obiectele opace reflectă toată sau o parte din lumina îndreptată către ele.
În practică, pentru a înțelege mai bine acest fenomen, să ne imaginăm că, de exemplu, o roșie roșie absoarbe verde și albastru și reflectă roșu; iar o banană galbenă absoarbe albastrul şi reflectă roşu şi Culoarea verde a, care, atunci când sunt suprapuse una peste alta, ne permit să percepem culoarea ca fiind galbenă.
Ne vom dedica studiului teoria culorii puțin timp, dar o vom face ca niște artiști adevărați; adică nu vom desena cu lumină (culori deschise), ci vom desena lumina cu ajutorul unei substanțe colorate numită pigment (colorant). Luând un material atât de cunoscut precum creioanele colorate, vom arăta cum să studiem gamă largă culori, bazate pe teoriile lui Newton și Jung, dar abordând aceste teorii din punctul de vedere al artistului.
rând albastru
Rețineți că albastrul închis se obține prin amestecarea magenta și albastrul, magenta fiind aplicat mai întâi.
Ai grijă cu magenta. Aceasta este o culoare foarte bogată și trebuie aplicată într-un strat ușor.
Pentru a obține albastru închis, albastrul este suprapus pe magenta. Cu toate acestea, puteți experimenta schimbând ordinea culorilor și începeți cu albastru, acoperind cu magenta. Acest lucru poate fi util dacă trebuie să adânciți culoarea albastră; acordați atenție pătratului din dreapta jos din partea de jos a imaginii, intensității culorii.
rând portocaliu-roșu
Dacă aplicați galben la magenta închis (probă de sus), obțineți un roșu închis. Cu toate acestea, dacă doriți să construiți o scară portocalie-roșu, trebuie să monitorizați cu atenție cantitatea de magenta și galben. Pe această probă, am vopsit galben magenta cu diferite grade de intensitate ale unuia sau altul. De la stânga la dreapta, de la albul hârtiei până la roșul celor mai întunecate nuanțe, ocolind culorile portocalii-roșii de diferite grade de saturație. 
O gamă de tonuri ocru și pământii
Folosind un violet de nuanță mijlocie compus din magenta și albastru (vezi bara de sus), se poate crea o gamă largă de culori, variind de la ocru galben, apoi siena (ocru) până la ocru ars (maro roșcat). Pentru a realiza acest lucru, galbenul trebuie adăugat la diversele tonuri de violet formate de celelalte două culori primare. Ca și în cazurile anterioare, trebuie să monitorizați cu strictețe intensitatea culorilor suprapuse, în funcție de rezultatul necesar. Puteți observa că în primele trei pătrate este mult mai puțin albastru decât în rândul de jos, în care predomină magenta și albastrul peste galben. 
Rând verde „neutru”.
Aceasta este o culoare verde, în creștere în intensitate, în care există un element de magenta. Seria poate fi descrisă ca neutră, deoarece este dezactivată de prezența unei a treia culori care modifică un verde pur format doar din albastru și galben. Acest rând verde poate fi considerat a fi compus din galben adăugat la o bază violet, spre deosebire de verde cu o bază albastră. Determinați singuri cantitatea din fiecare culoare de care aveți nevoie pentru a obține nuanțele prezentate în cele șase mostre ale noastre. 
Rând albastru-gri
Pe aceasta exemplu practic puteți determina cât de mult sau mai puțin din culoarea primară din amestec afectează nuanța finală. Vom crea un rând albastru-gri. Ca și în paragraful anterior, amestecarea albastrului cu magenta ne va oferi aproximativ aceleași tonuri violete în gama de albastru care în cazul precedent au dus la crearea de tonuri verzi neutre. La această combinație adăugăm o anumită cantitate de galben, care, totuși, nu va duce la o schimbare puternică a culorii. Toată diferența de tonuri în cazul precedent și în acest caz, adică diferența dintre rândurile verde și albastru-gri, constă într-o cantitate mai mare sau mai mică de galben adăugat. (Ne pare rău pentru calitatea imaginii): 
Și acum să reunim toate informațiile culese în timpul studiului fiecărei culori separat, într-o singură serie, formată din 36 de culori. Luați notă de următoarele:
- Hârtia trebuie să fie acuarelă, aspră, de bună calitate.
- Dacă ai două creioane albastre sau două roșii în cutia ta de creioane, folosește doar creioane albastru strălucitor (albastru verzui) și magenta sau purpurie și, bineînțeles, galbene.
- Puneți hârtie de protecție sub mâna de desen.
- Țineți creionul în modul obișnuit, puțin mai sus decât atunci când scrieți.
- În primul rând, exersați pe coli aspre de hârtie de același tip pe care le veți folosi pe hârtii fine.
- Tehnica de creare a primelor rânduri de culoare este să desenați de la stânga la dreapta (sau de la dreapta la stânga dacă sunteți stângaci), nu trebuie să apăsați creionul, este mai bine să țineți mina într-un unghi ascuțit față de hârtie. Mișcările trebuie să meargă vertical la mișcarea mâinii spre dreapta, devenind treptat mai groase și mai intense, astfel încât gama de culori să se schimbe treptat și uniform.
- În final, scara de culori poate fi ușor curățată; asigurați-vă că faceți acest lucru, doar monitorizați în mod constant uniformitatea tranziției tonurilor în gama de culori în ansamblu.
Astfel, avem o paletă de 36 de culori:
Un desen bun care încântă masele este aproape imposibil de creat fără a cunoaște elementele de bază ale picturii. Desigur, artă Modernă demonstrează contrariul: lucrările realizate de un elefant se vând cu sute de mii de dolari, sau două mișcări de pensulă, amintind pentru unii de un cer înstelat. Dar este această artă eternă? Probabil ca nu. Dar „Mona Lisa” sau „Madona și copilul” - aceste picturi au fost create cu foarte mult timp în urmă, dar încă încântă privitorul. Ce trebuie făcut pentru a învăța elementele de bază ale picturii?
Unde sa încep
Înainte de a vă așeza pentru a crea o capodoperă, trebuie să studiați ceva teorie. De asemenea, este foarte important să vă surprindeți muza sau să vă gândiți dinainte ce va fi reprezentat pe pânză. Dar, în primul rând, fiecare artist trebuie să aibă grijă de locul său de muncă.
Desigur, în lumea modernă există o cantitate imensă de materiale pe care puteți crea - de la o foaie obișnuită de hârtie la o tabletă grafică. Și fiecare persoană ar trebui să aleagă pentru sine 1-2 moduri de a crea tablouri care îi plac cel mai mult. Dacă este un șevalet, atunci ar trebui să existe suficient spațiu în cameră pentru pânza în sine și pentru fixarea acesteia.
Sfat: nu desenați pe o suprafață orizontală. Verticala va fi mult mai sănătoasă, iar un unghi de cel puțin 30-40 de grade va ajuta la vopsirea mai bună.
Ustensile de artă
Pe lângă spațiu suficient și un șevalet, o persoană va avea nevoie de diverse vopsele, perii și apă. În general, tot ceea ce poate fi util pentru a crea o imagine. Toate acestea ar trebui să fie la îndemână, dar nu atât de aproape încât să vă puteți atinge cu ușurință cotul.
În etapa inițială a creării unei imagini, puteți păstra în apropiere doar creioane cu o moliciune diferită. Chiar dacă reușiți să creați schițe într-o zi, vă va fi util să vă plimbați puțin după materiale și instrumente pentru pictură. Acest lucru vă va limpezi capul și, poate, o persoană își va privi munca dintr-un unghi diferit, ceea ce îi va permite să vadă unele neajunsuri chiar înainte de a aplica vopsea.
Iluminat atelier
Studiind elementele de bază ale picturii, puteți înțelege că uneori culoarea a doar câteva nuanțe poate diferi de ideal și poate arăta complet ridicol. De aceea este necesar să lucrați asupra imaginii numai sub lumină naturală. Cel mai bine este dacă este la soare. Dar dacă nu există nicio modalitate de a crea în timpul zilei, atunci puteți pune lămpi puternice care imită lumina soarelui.
Deși astfel de lămpi practic nu distorsionează deloc reproducerea culorilor, întreținerea lor este foarte, foarte costisitoare. Prin urmare, va fi mai bugetar să lucrați în timpul zilei lângă fereastră. Aceasta este una dintre primele lecții despre elementele de bază ale picturii.
Practică și imaginație
Pe lângă dobândirea de cunoștințe, este necesar să se dezvolte calități creative în sine. Studierea elementelor de bază ale picturii nu garantează crearea viitoare a capodoperelor. Foarte des în această profesie creativă există o criză pentru artist din cauza faptului că pur și simplu nu știe ce să deseneze.
O modalitate de a dezvolta imaginația este să participi la cursuri predate de artiști celebri. De exemplu, vă puteți înscrie la cea mai populară clasă de master de pictură în ulei, care are loc la Moscova. Există și webinarii la distanță. Dar este mai bine să participați la evenimente live, acest lucru vă va permite să comunicați cu alți artiști.
Și, de asemenea, merită remarcat faptul că o cantitate mare de practică vă permite să vă îmbunătățiți imaginația. Dacă o persoană nu știe ce să deseneze, puteți desena tot ceea ce vă atrage atenția. Sau chiar încercați să reproduceți capodoperele lumii. Pe măsură ce apetitul vine în timpul cinei, așa muza artistului apare în timpul procesului de creație.
Sfat: nu toată lumea va dori să rescrie picturile altora, în acest caz, puteți încerca să recreați același complot, dar într-un gen diferit.
Bazele teoretice ale picturii
Deși practica este foarte importantă, fără teorie, o persoană poate petrece zeci de ani pentru a ajunge la perfecțiune. Dar de ce să faci asemenea sacrificii dacă lumea modernă există multe surse gratuite cu elementele de bază ale picturii și desenului. Pentru început, merită să studiezi momentele grafice.
Linii drepte, cercuri, chiar ovale ale feței - toate acestea artistul trebuie să fie capabil să deseneze fără mijloace improvizate. Desigur, puteți folosi o busolă pentru a înfățișa o placă, dar atunci nu va avea individualitate și realism. Poate că Malevici nu ar fi devenit atât de faimos dacă nu și-ar fi desenat celebrele pătrate cu mâna.
Pentru a învăța cum să creezi figuri geometrice necesită practică. Cel mai bine este să luați un șevalet în fiecare zi și să desenați linii și cercuri. Dacă un artist nu se poate convinge să învețe, atunci cel mai bine este să meargă la orice școală de desen.
Desen alb-negru
După ce elevul a stăpânit formele geometrice, puteți trece la elemente de bază mai complexe. Aproape fiecare viitor artist plănuiește să-și creeze capodoperele nu într-un spațiu plat. Și pentru asta trebuie să înveți să vezi lumina și umbra.
Desigur, chiar și un copil știe că orice obiect este perceput diferit, în funcție de cât de departe se află și de câtă lumină îl lovește. Pentru a transmite volumul pe pânză în timpul schiței, este necesar să folosiți tehnici precum umbrirea și chituirea. Apropo, acest lucru este predat și în orice școală de desen.
Nu petrece prea mult timp redactând. Cel mai important lucru este să descrieți schematic obiectele și să prindeți modelul alb-negru al întregii imagini.
Ce este compoziția în pictură?
Următoarea cunoștințe pentru artist ar trebui să fie întrebările despre perspectivă. În primul rând, trebuie să înveți cum să creezi o așa-numită fântână. Cu ajutorul diferitelor presiuni ale creionului, desenați cercuri care se întrepătrund cu diametre arbitrare. Întreaga structură ar trebui să semene cu o vedere de sus, bine. Adică, cele mai mari și mai mari cercuri luminoase sunt situate în partea de sus, iar cu cât modelul este mai adânc, cu atât presiunea este mai slabă și cercul este mai mic. Cu ajutorul unor asemenea exercițiu simplu, artistul va învăța să descrie perspectiva.
O bază la fel de importantă în compoziție este „Regula treimilor”. În mod convențional, imaginea este împărțită în trei părți de aceeași dimensiune pe verticală și pe orizontală. În primele perioade de creare a unei imagini, o astfel de grilă poate fi desenată cu o presiune ușoară. Acele puncte care au fost obținute datorită intersecției sunt ideale pentru localizarea obiectului.
Sensul acestei reguli este că în aceste locuri se uită involuntar o persoană în primul rând.
Crearea unui tablou din natură
Înainte de a începe să creați o lucrare cu drepturi depline, ar trebui să vă decideți asupra genului imaginii. Pentru primele tale capodopere, cel mai bine este să folosești fructe, legume, flori și alte mijloace improvizate.
După ce artistul s-a hotărât asupra genului, puteți începe montarea. Este imediat necesar să aranjați inventarul frumos și ordonat, deoarece acest lucru va simplifica foarte mult munca. Aici este de remarcat faptul că este de dorit să plasați obiecte ținând cont de iluminatul existent. Deși puteți folosi surse suplimentare, de exemplu, pentru a crea umbre moi sau, dimpotrivă, contrastante.
Sfat: pentru o mai bună asimilare a materialului, ar fi bine să mergeți la prelegeri deschise, unde artiști celebri arată clar cum să aranjeze și să deseneze din natură. O opțiune excelentă de vizitat ar fi o clasă de master în pictura în ulei, care are loc anual la Moscova. Apropo, îl puteți vizita online.
Proprietăți spațiale de culoare
După ce schița a fost desenată, puteți trece direct la crearea imaginii în sine. Înainte de a colora desenul, merită să prezentați cu atenție rezultatul final și să alegeți intervalul necesar. În viitor, va fi mult mai ușor dacă toate nuanțele necesare sunt create în avans.
Fiecare artist ar trebui să poată combina culorile, dar o astfel de abilitate este dezvoltată numai după câțiva ani de muncă constantă. Pentru a evita cele mai frecvente greșeli, precum combinarea verdelui acid cu maro sidefat, puteți folosi roți de culoare. Pentru a crea cele mai bune colaborări, se iau două nuanțe opuse. Dar dacă este necesar să combinați trei sau patru culori, atunci este selectat numărul necesar de nuanțe, care sunt situate una lângă cealaltă, pe aceeași bandă.
În timp ce amestecarea culorilor în pictură este un subiect destul de individual, merită totuși să abordați selecția nuanțelor cu toată responsabilitatea.
Tipuri de perspective
Deși poziția unui obiect îi afectează modelul și dimensiunea tăieturii, nuanța obiectului se schimbă și ea. Toată lumea distinge două tipuri principale de perspectivă. După crearea schițelor, artistul va înțelege deja ce mod de a crea o imagine pe care să o aleagă.
Linear direct. Acest tip de perspectivă este conceput pentru a fixa vederea la un moment dat. Un exemplu ar fi o alee de-a lungul unui drum. Copacii care sunt cel mai aproape de artist vor părea mai înalți și mai puternici decât cei care sunt situati undeva departe. Perspectiva funcționează la fel pe hârtie. Dar, pe lângă aceasta, este necesar să descriem vagul obiectelor. Adică, cu cât copacul este mai departe, cu atât va fi mai deschis/mai întunecat. Și, de asemenea, este necesar să se schimbe contrastul, înăbușind obiectele îndepărtate.
perspectiva tonale. În această versiune de creare a unei imagini, un cerc este luat ca bază. După ce ați descris obiectul principal, trebuie să vă imaginați mental un cerc în jurul lui, în spatele căruia vor avea loc schimbări. Cu cât detaliile sunt mai îndepărtate, cu atât vor fi mai puțin contrast. Acest tip de perspectivă seamănă cu aceeași bine care a fost descris mai sus.
Știința culorii în pictură
După ce artistul înțelege toate elementele de bază, puteți trece la un studiu mai aprofundat. În același timp, merită să ne amintim că fiecare teorie este fixată de practică. Și decât mai multi oameni va desena, cu atât mai repede va ajunge la perfecțiune.
Știința culorii în pictură este în primul rând cercul care a fost discutat mai sus. Include spectrele de nuanțe, în care sunt înregistrate tranzițiile întregului curcubeu. Orice roată de culoare conține gri în mijloc. Acest lucru se datorează faptului că această nuanță este considerată neutră în pictură.
În total, există trei culori primare - aceasta, desigur, roșu, galben și albastru. Sunt necesare pentru a crea orice nuanță. Dar acest lucru este doar în teorie, în practică este destul de dificil să găsești proporțiile necesare ale fiecăruia pentru o combinație ideală. Dar totuși, trei culori noi, folosind doar baza, pot fi create cu ușurință - acestea sunt portocaliu, violet și verde. Astfel, un artist începător nu poate cheltui mulți bani pentru a cumpăra tot felul de nuanțe.
Nuanțe reci și calde
De asemenea, pentru o combinație reușită de culori și utilizarea lor în pictură, este necesar să le distingem după temperatură. Acest lucru se face foarte ușor. Pentru început, este luat un cerc deja familiar, astfel încât cea mai strălucitoare nuanță galbenă să fie situată în partea de sus. Acum în fața artistului în partea dreaptă vor fi doar culori calde, iar în stânga - cele reci. În plus, toate nuanțele din aceste spectre sunt bine combinate între ele.
Pentru a alege cele mai armonioase două nuanțe, puteți efectua puțină experiență. După ce am ales culori opuse, este necesar să le recreați cât mai exact posibil în realitate. După aceea, o cantitate mică de vopsea din fiecare nuanță este amestecată între ele. Dacă s-a dovedit a fi gri, atunci artistul a ridicat perfect paleta.
Desigur, în practică este aproape imposibil să se obțină un astfel de efect, dar dacă rezultatul este o nuanță aproximativă, atunci aceasta poate fi deja considerată un succes.
Pentru a desena o capodoperă, cel mai probabil, va trebui să petreci mulți ani. Dar asta nu înseamnă că trebuie să renunți și să renunți. Poate că tablourile care vor fi pictate în timpul studiilor vor încânta deja publicul. În orice caz, ar trebui să te concentrezi pe inima ta, și nu pe opinia mulțimii.
Dacă visul tău este să înveți să desenezi ca un artist adevărat, dar nu ai timp să mergi la o școală de artă sau bani pentru a angaja un tutore, nu dispera! Puteți studia pe cont propriu acasă, în timpul liber și convenabil. Principalul lucru este să te pregătești cu atenție, pentru că tu însuți vei fi profesorul tău.
În primul rând, trebuie să înțelegi ce fel de cunoștințe trebuie să stăpânești. Cărțile selectate în mod corespunzător sunt cruciale în auto-studiu. LA institutii de invatamant pentru pictori se predau urmatoarele discipline: desen, pictura, compozitie, stiinta culorii, anatomie si perspectiva. Dacă decideți să studiați singur cursul de desen, atunci veți avea nevoie de un set din următoarele manuale.
Imagine
Fundamentele desenului educațional academic. Nicholas Lee.
Autorul prezintă întregul curs academic, dezvăluind consecvent toate materialele curriculum-ului școlii de artă. Pas cu pas, veți stăpâni cu ușurință desenul unor corpuri geometrice simple (cub, cilindru, sferă, con, piramidă), care stau la baza desenelor oricăror obiecte mai complexe precum vaze grecești, capiteluri, mobilier, case, corpul uman. În această carte, veți învăța elementele de bază perspectiva liniară, metoda construcției constructive într-un desen, conceptul de proporții ale obiectelor și semnificația acestora într-un desen, precum și cunoașterea anatomiei plastice a corpului uman.
Imagine. Schițe și schițe. V. K. Kuzin
Realizarea de schițe și schițe joacă un rol important în dezvoltarea expresivității desenului, a integrității viziunii, a capacității de a transmite proporții și a principalelor caracteristici ale poziției. Această carte vă va prezenta posibilitățile artistice ale liniei și spotului, precum și diferitele materiale care pot fi folosite pentru schiță. Este plin de exemple de schițe ale unor artiști importanți. În plus, veți învăța rolul schițelor în crearea unei compoziții și veți stăpâni tehnicile și schemele de construire a schițelor și a schițelor.
Jocul de lumini și umbre pentru artiști. Burne Hogarth
Din această carte veți afla despre toate tipurile de iluminare și efectul luminii asupra materialității. Veți obține o înțelegere extinsă a ceea ce este un desen alb-negru pe un avion și ce rol joacă lumina în modelarea unei forme. Veți avea o idee despre ce categorii de lumină și umbră sunt și modul în care lumina afectează expresivitatea compoziției. Veți înțelege, de asemenea, cum diferă între ele lumina plată difuză, lumina lunii, lumina sculpturală, lumina spațială, lumina fragmentară, lumina orbitoare, lumina expresivă. Una peste alta, în acest tutorial veți descoperi sute de definiții ale luminii și veți obține o înțelegere mai profundă a funcției sale într-un desen.
Pictura
Tehnica de pictură în acuarelă. P. P. Reviyakin
Această carte, publicată în vremea sovietică, este un ghid universal pentru pictura academică. Oferă o idee largă despre efectul luminii asupra culorii și dezvăluie concepte de bază în pictură precum lumina proprie și reflectată, temperatura culorii, clarobscurul și culoarea locală a unui obiect. Acest tutorial vă va prezenta sensibilitatea viziunii noastre la culoare și la diferitele tipuri de contraste de culoare. Veți învăța ce materiale sunt necesare atunci când lucrați cu acuarele, precum și interacțiunea diferiților pigmenți cu hârtia. Descris aici metodologie detaliată muncă mod clasic modelarea formei obiectelor folosind acuarele, precum și conceptul de perspectivă și planuri în pictură. O parte semnificativă a cărții este dedicată scrierii structurilor arhitecturale, astfel încât chiar și arhitecții vor găsi util să citească.
Fundamentele picturii. Mogilevtsev V. A.
Această carte este concepută pentru formarea profesională în portret. Acesta prezintă cunoștințele de bază ale picturii academice în ulei în genul portretului. Există și o descriere a listei. materialele necesare, etape de desen cu o pensulă pe pânză, o schemă pentru elaborarea detaliilor (ochi, nas, buze). Și, de asemenea, aici sunt considerate relații de culoare și mijloace expresive de pictură. Cartea este împărțită în 4 secțiuni: cap, portret cu mâinile, figură, copiere. În fiecare secțiune, autorul descrie în detaliu toate etapele de lucru de la concepție, schiță până la detaliere și rezumat portretul terminat. Pe lângă această carte, Mogilevtsev are alte două cărți excelente „Fundamentals of Drawing” și „Sketches and Educational Drawing”, care merită, de asemenea, atenție și pot servi ca alternativă la manualele de desen de mai sus.
Curs complet de pictură în ulei. Hennes Ruissing
În această carte veți găsi o descriere a materialelor pentru pictura în ulei, rețete de grund, metode de realizare a targăi, acoperirea acesteia cu pânză și lipirea acesteia cu grund. Autorul demonstrează toate etapele lucrării: de la o schiță până la realizarea unui tablou finit. Din această carte veți învăța cum să lucrați cu un cuțit de paletă, cum diferă vopselele pastoase și cele glazurate, ce este perspectiva aeriană și. Există exemple simple să dezvolte tehnici de pictură în ulei în principalele genuri. În plus, autorul oferă un concept despre contrastele de culoare și modul de utilizare a acestora în pictură și oferă, de asemenea, sfaturi despre cum să evitați multe greșeli atunci când lucrați cu vopsele pentru începători.
Curs de pictură în acuarelă. Peisaj în câteva minute. Keith Fenwick.
Dacă preferați acuarela, atunci această carte vă va face mai ușor să stăpâniți pictura peisajului. Conține multe exemple ilustrate. Cu el, vei stăpâni tehnica pictării detaliilor peisajului, care uneori sunt dificile pentru începători - acestea sunt apa, detalii arhitecturale, pietre, copaci singuri. Autorul examinează în detaliu modalitățile de scriere a diferitelor efecte atmosferice, peisajelor arhitecturale și montane, învață diverse tehnici de scriere a cerului, pădurii, apei. El dezvăluie secretele paletei sale, demonstrează posibilitățile de utilizare a unui fluid de mascare și oferă multe mici sfaturi practice.
Anatomie
Imaginea unei persoane. Gottfried Bammes
De departe cel mai bun autor pe care îl puteți găsi pentru a studia artistul plastic. Bammes nu numai că expune în mod profesional anatomia figurii umane, dar oferă și o idee despre imaginea figurii din avion. Cea mai bună carte a lui, Anatomy for Artists, din păcate, nu a fost tradusă în rusă. Deci oricine nu deține limba germana, vă recomand să vă familiarizați cu aceste două cărți în limba rusă, „Imaginea unei persoane” și „Imaginea unei persoane. Fundamentals of Drawing from Life”, care sunt o compilație a cărții originale în limba rusă. Prima carte este un curs detaliat de anatomie și oferă o imagine completă a structurii, proporțiilor corpului uman, imaginea unei figuri umane statice și dinamice. A doua carte este dedicată mai specific procesului de desenare a unei figuri pe un plan și vă va permite să stăpâniți diferite moduri de modelare a formei corpului uman.
florărie
Arta culorii. Johannes Itten
Această carte este o lucrare extinsă despre teoria culorilor. Vă va introduce în natura fizică a culorii, vă va spune despre elementele de bază ale armoniei culorilor și vă va oferi o imagine completă a sistemului de culori. Veți învăța nu numai despre construcția culorilor, toate tipurile de contrast de culoare, armonia culorilor și teoria expresiei culorii, care stau la baza multor manuale despre știința culorii, dar, de asemenea, vă veți extinde înțelegerea culorii cu cunoștințe mai profunde. Autorul se adâncește în studiul semanticii culorii, percepția subiectivă a culorii, efectul spațial al luminii asupra culorii. În plus, Itten acordă atenție teoriei impresiilor de culoare, care este deosebit de importantă pentru pictorii care sunt interesați de transmiterea realistă a obiectelor într-un mediu lumină-aer.
Compoziţie
Fundamentele compoziției. N. M. Sokolnikova.
În ciuda faptului că acest manual este conceput pentru elevii din clasele 5-8, în opinia mea, aceasta carte utila atât pentru începător, cât și pentru artistul experimentat. Aici, într-o formă simplă, sunt conturate elementele de bază ale compoziției și sunt foarte bine alese exemple care transmit clar logica așezării compoziționale a obiectelor pe un plan. Cartea introduce cititorul în regulile elementare și mijloacele de compunere, sensul diagonalelor în transmiterea mișcării, liniile de forță ale formatului, mijloacele de evidențiere a intrării și a centrului compozițional, regula secțiunii de aur, simetria și asimetrie. În general, aici vei găsi tot ce trebuie să iei în considerare atunci când construiești orice compoziție, inclusiv sfaturi practice care sunt ușor de digerat și aplicat.
Cu un astfel de set de tutoriale, poți stăpâni procesul de învățare a desenului pe cont propriu! Toate aceste cărți pot fi descărcate cu ușurință de pe Internet, dar ar fi și mai bine să le cumpărați originale pentru citire pe desktop. În sfârșit, încă un sfat - încercați să vă referiți în primul rând la literatura metodologică a autorilor academicieni și să evitați broșurile superficiale broșate cu titluri captivante, care, de regulă, nu oferă cunoștințe sistemice.
Care este cerul obișnuit, iarba, chiar și soarele știe Copil mic. Acestea sunt culorile de bază care alcătuiesc lumea. Crescând, observăm, pe lângă tonurile de bază, o infinitate de nuanțe intermediare și semitonuri care pot fi combinate între ele. Diversele lor combinații afectează o persoană. Pentru a înțelege aceste modele, să ne întoarcem la elementele de bază ale științei culorilor.
Istoria studiului culorii
Oamenii de știință au reușit să învețe multe despre natura culorii. Începând cu studiul lui Isaac Newton, care a primit spectrul radiației solare din șapte culori. Analiza spectrelor a continuat, influențând atât științele obiective, cât și dezvoltarea gândirii filozofice. Johann Goethe a acționat ca un colorist filozofator. El a sugerat că culorile cromatice primare (albastru, roșu, galben) ies învingătoare din lupta dintre lumină și întuneric, în timp ce restul sunt obținute din amestecarea lor. Verdele, portocaliul și violetul sunt secundare, apar din conexiunea alternativă a celor trei principale.
Știința modernă a culorilor folosește schema artistului din secolul al XX-lea din Elveția - Johannes Itten. El a rezumat gândurile altor oameni de știință și a propus un sistem convenabil care poate fi folosit pentru a selecta paleta combinată optim. Include trei culori primare situate în centru. Sunt îmbrățișați de o trinitate secundară, care este înconjurată de douăsprezece variante derivate.
O combinație armonioasă de piese circulare este posibilă în 6 versiuni (contrastând sau completându-se reciproc). Sistemul lui Itten poate fi extins pentru a include alb-negru, care poate fi, de asemenea, amestecat cu douăsprezece. Cele mai multe dintre aceste culori le vedem atunci când deschidem un set de vopsele. Acestea includ neapărat cele șase magnifice și variantele sale reci / calde. Restul se naste din mainile artistului in practica, incearca sa obtii combinatii noi! Și alți maeștri au făcut asta, ce a rezultat din asta?
Pictura si culoare
Pictura, ca o persoană, a experimentat vremea „copilăriei”, când întreaga lume reprezentată a fost pictată într-un set foarte limitat de culori. Acest lucru s-a datorat dificultății de a obține substanțe pigmentare - amestecurile ecologice nu erau produse în fabrici, ci erau extrase cu propriile mâini din materiale naturale.
Pe de altă parte, consistența în alegerea culorii s-a explicat prin conținutul semantic mare. Culorile aleatorii nu au putut apărea în imagine. De exemplu, imaginați-vă arta Evului Mediu. Este construit dintr-o combinație de aur, roșu, albastru. Fecioara Maria este de obicei îmbrăcată în albastru pentru că este culoarea purității, a raiului, a infinitului, a lui Dumnezeu. Hristos este înfățișat în albastru și roșu (chin, sânge, simbolul Învierii). Aureola de aur de deasupra capetelor sfinților însemna o legătură cu Dumnezeu.
Vopsele noi
Odată cu debutul Renașterii, arta se transformă, în urma timpului, paleta picturilor se schimbă. Din ce în ce mai multe sunt amestecurile lor, combinații armonice. Noul mod de realism necesită o imagine apropiată de realitate. Dar arta nu este viața însăși. Artiștii, reflectând lumea reală, au grijă de armonia din imagine, astfel încât să se obțină o pânză întreagă. Pentru a face acest lucru, ei apelează la elementele de bază ale științei culorii în pictură.
O nouă întorsătură pe drumul artei are loc la periferia secolului al XX-lea. Tot felul de restricții dispar, știința pătrunde în toate sferele vieții, astfel încât artiștii sunt conștienți de puterea paletei picturale. Mediul creativ este cufundat în experimente de știință a culorii. Luminozitatea și saturația picturilor impresioniștilor, care doreau să surprindă sentimentul lumii în imagine în plinătatea culorilor, este adiacentă binecunoscutei capodopere monocrome a lui Kazimir Malevich. Culoarea sau absența ei completă devine din nou elementul semantic central al operei. Armonia picturilor lasă loc celor mai contrastante combinații, transmițând furtuna care a avut loc nu numai în artă, ci și în viață.
O cunoaștere perfectă a teoriei culorii este foarte importantă pentru un artist. Philip Straub vorbesc despre principii simple ale culorii.
La utilizarea corectă, prin culori poți transmite starea de spirit și evoca atitudinea emoțională a privitorului. Aplicarea corectă florile sunt una dintre conditii esentiale desen reușit. Cunoștințele despre utilizarea culorii nu se moștenesc, se învață. Sunt reguli care trebuie respectate și altele care pot fi ignorate, dar fiecare artist care vrea să aibă succes în domeniul său trebuie să plece de la fundație, adică. din teoria culorilor.
Există o mare cantitate de material științific disponibil; totuși, cei mai mulți dintre ei sunt departe de artiști. Nu mă voi concentra pe ceea ce este de prisos și voi trece imediat la cel mai important lucru din teoria culorilor. Ne vom uita la diferitele scheme de culori care există astăzi, cum să folosiți culoarea în compoziție, cum să lucrați cu culoarea pentru a capta privirea privitorului într-un tablou și cum să echilibrăm culorile într-un tablou. Deci sa începem...
1. Trei proprietăți ale culorii
Înainte de a pătrunde în teoria culorilor, este necesar să înțelegem principiile sale de bază. Să ne uităm la așa-numitele proprietăți ale celor trei culori. Aceste proprietăți reprezintă limbajul comun al teoriei culorilor și ar trebui să fie întotdeauna în mintea artistului.
- Hue- numele unei anumite culori (de exemplu, roșu, albastru, galben).
- Saturare- aceasta este paloarea sau întunecarea unei nuanțe (culoare).
- Intensitate determină luminozitatea sau luminozitatea nuanței (culorii). Nuanțele pure sunt de mare intensitate. Nuanțele terne – respectiv, au o intensitate scăzută.
Aceste trei proprietăți de culoare vor depinde de multe lucruri, dar mai ales de lumina din pictura dvs.
2. Roata de culoare
O roată de culori bazată pe roșu, galben și albastru este o formă tradițională de schemă de culori în arte. Prima diagramă de culori a fost creată de Sir Isaac Newton în 1666. De atunci, oamenii de știință și artiștii au studiat și au propus propriile versiuni ale acestui principiu. Până acum, disputele despre ce sistem este mai bun și mai fiabil nu s-au liniștit. În realitate, orice roată de culori care are un sistem construit logic de nuanțe pure are un loc.
3. Culori de bază
Există trei culori de bază: roșu, galben și albastru. Acestea sunt trei culori pigmentare care nu pot fi amestecate sau obținute prin amestecarea altor culori. Toate celelalte culori sunt derivate din aceste trei nuanțe.
4. Culorile celei de-a doua grupe
Aceste culori includ verde, portocaliu și violet. Aceste culori sunt obținute prin amestecarea culorilor de bază. Culorile primului și celui de-al doilea grup formează împreună cele șase cele mai strălucitoare culori ale spectrului. Amestecând fiecare culoare cu vecinul ei, obținem încă șase culori - culorile celui de-al treilea grup.
5. Culorile grupei a treia
Acest grup include galben-portocaliu, roșu-portocaliu, roșu-violet, albastru-violet, albastru-verde și galben-verde. Aceste culori sunt obținute prin amestecarea unei culori de bază și a unei culori secundare.
6. Echilibru de culoare
Nu puteți picta folosind doar una sau chiar toate culorile de bază. Trebuie să obțineți un echilibru în compoziția dvs. de culoare. Adăugați câteva culori din al treilea grup sau puțin gri, astfel încât imaginea să nu fie atât de nefiresc de strălucitoare. Dacă nu țineți cont de acest lucru, oricât de bune ar fi compoziția și designul dvs., nu veți putea atrage privirea privitorului. În natură, de exemplu, nu vei găsi niciodată culori primare sau secundare pure din abundență; dimpotrivă, toate culorile sunt echilibrate, iar asta ne creează realitatea. Sarcina artistului este să știe când și cum să schimbe această realitate sau să o sublinieze pentru a o face mai frumoasă, mai dramatică sau mai înfricoșătoare, în funcție de scopul autorului.
Observați cum paleta de culori este uniformă în această imagine. Culorile nu au fost luate la întâmplare, ci au fost alese cu mare grijă pentru a sublinia starea de spirit a peisajului. Dacă cunoașteți teoria culorilor, atunci ar trebui să știți și că albastrul are un efect calmant asupra oamenilor, așa că alegerea acestei palete este evidentă.
Faceți clic pentru a vizualiza imaginea la dimensiune completă și la calitate 100%.
7. Potrivirea culorilor
Luați în considerare schema de culori și asigurați-vă că se potrivește cu desenul dvs. Când vă gândiți la starea de spirit și la atmosferă, imaginați-vă imediat care va fi rezultatul final. La urma urmei, când pictezi o imagine a puterii și distrugerii, nu alegi culorile curcubeului, nu-i așa?
Imaginea de mai sus arată o combinație foarte puternică de saturație și culoare, care împreună creează o stare de spirit pe care privitorul o va simți cu siguranță. Aici am folosit o mulțime de culori ale celui de-al treilea grup și doar puțin din cele de bază (pe ochi și coloana vertebrală) pentru a conduce privirea privitorului către centrul principal al imaginii (fața și ochii eroului) .
Faceți clic pe imagine pentru a vizualiza imaginea la dimensiune completă și la calitate 100%.
8. Uniformitate (monocrom)
O schemă de culori monocromatică folosește o singură culoare cu variații de lumină și nuanțe saturate. Lucrul în monocrom este o modalitate rapidă și ușoară de a adăuga culoare și viață studiului tău de saturație. Aceasta este cea mai ușoară metodă pentru începători de a lucra cu culoarea fără a strica calitatea și ideea. Mi se pare că majoritatea picturilor cu o puternică încărcătură emoțională sunt realizate în această tehnică. Dezavantajul acestei abordări este lipsa de strălucire și contrast.
9. Culori înrudite
O schemă de culori asociată utilizează culori care sunt în imediata apropiere a culorilor învecinate. O culoare este dominantă, restul sunt folosite pentru a îmbogăți paleta. Schema de culori aferentă este similară cu sistemul monocrom, dar oferă mai multe nuanțe. În opinia mea, această abordare este mult mai bună decât schema de culori solide și este mai ușor să creezi o astfel de paletă.
Faceți clic pe imagine pentru a vizualiza imaginea la dimensiune completă și la calitate 100%.
10. Culori complementare
Culorile complementare sunt culori opuse una pe cealaltă pe roata culorilor. Acest lucru se vede cel mai bine într-un exemplu când o culoare rece este plasată împotriva uneia calde; de exemplu, roșu și verde-albastru.
Când lucrați cu o astfel de schemă, trebuie să alegeți o culoare dominantă și apoi o culoare complementară pentru accente. Una dintre cele mai metode tradiționale aplicarea acestei scheme de culori: utilizați o culoare ca fundal și culoarea ei complementară pentru a evidenția elementele principale ale imaginii. Cu această tehnică, veți obține dominația unei culori împreună cu contraste puternice de culoare.
Dificultatea aici este următoarea: în timp ce această abordare produce o imagine cu contrast ridicat și spectaculos, este mult mai dificil să lucrezi cu o astfel de schemă decât cu scheme de culori înrudite sau monocromatice. Doar asigurați-vă că echilibrați culorile pe care le utilizați corect.
Schema de culori complementare bifurcate este o variație a schemei de culori complementare standard. Aceasta include o culoare și două învecinate în raport cu culoarea sa complementară (opusă). Astfel obținem și mai mult contrast fără a crește contrastul schemei de culori complementare.
Faceți clic pe imagine pentru a vizualiza imaginea la dimensiune completă și la calitate 100%.
11. Culori terțiare și cuaternare
Schema de culori terțiară include trei culori echidistante. Această schemă este foarte populară în rândul artiștilor, deoarece. ofera un contrast vizual foarte puternic, pastrand in acelasi timp armonia si bogatia culorilor. Schema terțiară nu este la fel de contrastantă ca schema de culori complementară, dar arată mai armonioasă și echilibrată.
Schema cuaternară (dublu complementară) este cea mai bogată dintre toate prezentate, deoarece include patru culori combinate în două perechi de culori complementare. Această schemă este foarte greu de armonizat; atunci când utilizați toate cele patru culori, imaginea poate părea dezechilibrată, așa că ar trebui să alegeți o culoare dominantă sau să înmuiați culorile.
12. Culoarea și mediul ei
Culoarea oricărui obiect care există în lumea noastră este influențată de lumea în care se află. Orice obiect are propria lui culoare specifică, sau, cu alte cuvinte, o culoare care nu a fost schimbată de nimic din exterior. Toate culorile, așa cum le vedem noi, sunt afectate într-un fel sau altul. mediu inconjurator. Lumina caldă care cade pe un obiect de culoare caldă îi sporește pur și simplu căldura, în timp ce aceeași lumină caldă care cade asupra unui obiect de culoare rece va reduce, dimpotrivă, acest efect de căldură. Există câteva constante pe care le putem folosi în beneficiul nostru artistic.
13. Un pic de gri
Când lucrați cu o schemă de culori, fiți atenți la temperaturile și temperaturile tuturor elementelor din tabloul dvs. Cele mai multe spații de culoare largi, cum ar fi cerul, ar trebui să fie reduse cu câteva tonuri pentru a nu copleși spațiul rămas. Cu cât spațiul este mai mare, cu atât culoarea ar trebui să fie mai moale și mai puțin saturată. Evitați culorile de bază în fundal, așa cum vor iesi din imagine.
Faceți clic pe imagine pentru a vizualiza imaginea la dimensiune completă și la calitate 100%.
Și din nou vezi o imagine care dictează alegerea culorilor în paletă. Vă rugăm să rețineți că nu există culori de bază (primare) în imagine, în special pe cer. Culorile sunt foarte calme. Practic, plasez culori complementare și opuse una lângă alta pentru a crea o atmosferă dramatică (cunoscută ca punct focal).
14. Colorează în umbră
Culoarea umbrei nu poate fi niciodată aceeași cu culoarea naturală a obiectului. Fără adăugarea de culoare suplimentară, umbra ar fi aceeași cu culoarea de fundal a subiectului, doar puțin mai închisă. Culoarea umbrei are o intensitate și o saturație reduse - totul datorită culorii suplimentare adăugate. O culoare de umbră nu poate fi mai curată sau mai strălucitoare atunci când cel puțin o culoare similară este reflectată în ea, crescându-i luminozitatea.
15. Colorează în lumină
Toate culorile devin o sursă de culoare reflectată atunci când sunt expuse la lumină și se vor reflecta în mai puțină lumină. Toată intensitatea culorilor ar trebui să apară în tonuri deschise sau mijlocii. Cu toate acestea, cea mai strălucitoare culoare nu trebuie să fie acolo unde lovește lumina. Dacă se formează o pată aproape albă acolo unde cea mai strălucitoare lumină lovește subiectul, atunci cea mai strălucitoare culoare va consta din semitonuri.
16. Punct focal
De obicei, culorile luminoase sunt folosite în jurul punctului focal sau al subiectului principal. Știe toată lumea ce este un punct focal? Și chiar știi cum să-l folosești? Acesta este unul dintre cele mai puternice efecte folosite de artiști pentru a atrage privirea privitorului către zona principală a desenului. Este extrem de important ca imaginea să conțină și o zonă de calm, un erou care se străduiește să fie în centrul atenției. Desigur, pot exista mai multe personaje, obiecte sau puncte focale în imagine, dar cu cât adăugați mai multe detalii, cu atât imaginea va fi mai dificil de perceput. Cele mai multe picturi de succes au un punct focal și alte câteva locuri liniștite de echilibrat.
Faceți clic pe imagine pentru a vizualiza imaginea la dimensiune completă și la calitate 100%.
În această poză, pe care am numit-o „Christmas City” (Orașul de Crăciun) acordați atenție modului în care am evidențiat contrastul în centrul orașului, atragând astfel privirea privitorului către această zonă specială a imaginii. În acest centru, nu există doar contrastul crescut de culoare, ci și saturația culorii.
17. Balanța culorilor din nou. Oameni.
celebru ilustrator Andrew Loomis odata spus: „Culoarea este ca un cont bancar. Dacă mergi adânc, în curând nu va mai rămâne nimic.” Aceasta înseamnă că unele dintre cele mai frumoase creații create vreodată de artiști folosesc o paletă de culori limitată. Este important să înțelegeți că culoarea din spectru este lumina albă împărțită în elemente. Obiectele au culoare doar pentru că suprafața lor primește lumină și reflectă toate celelalte culori ale spectrului. Dacă nu ar exista culoare în lumină, ea nu ar fi percepută deloc de ochiul uman.
Fără o schiță bună, desigur, culoarea are puțină valoare, dar totul ține de relația strânsă dintre compoziția liniară solidă și culoare care face dintr-un tablou bun o operă de artă!
